El storytelling en el marketing

Dice David Gómez: "Cada negocio tiene una historia, cada organización tiene una visión, cada empresario tiene un sueño y cada producto tiene magia. Todos tenemos una historia". Y no hay nada más alejado de la realidad, toda nuestra vida está llena de historias que debemos encontrar.

El Storytelling es el arte de contar historias. Y bajo este principio, ha existido desde el origen de los tiempos del ser humano. Ha sido una forma de expresión y transmisión de ideas con elementos -alterados o no- de la realidad. Ha estado presente en todas las etapas del hombre, desde las pinturas de las cavernas, en las narraciones orales de las culturas indígenas, en los cantos de los juglares y en las historias heroicas de todos los tiempos.

Pero ¿qué ocurrió con la llegada del marketing? Aplicado al marketing, el storytelling es contar una historia relacionada con su compañía, su producto o servicio, que genere una conexión emocional con sus clientes. Porque vivimos en una época donde las marcas están buscando ser más humanas, una dualidad que está cobrando fuerza con el pasar de los segundos. 

¿Por qué contar historias?

Generan confianza – Una historia no sólo cuenta una realidad de manera diferente, además fomenta la empatía entre el usuario y la marca. Da a conocer aspectos desconocidos y genera confianza.

Son fáciles de recordar – Una historia logra plasmar una secuencia y un flujo de hechos, lo que hace que se recuerde fácilmente ¿Acaso no recuerdas la historia de La Sirenita?

Apela al lado emocional – Todos tenemos un corazón. Una historia nos hacen humanos y cercanos. Convierte la imagen fría de una empresa anónima en personas en las cuales se puede confiar.

Por todas estas razones y muchas más, el storytelling se ha convertido en la estrategia predilecta de quienes se dedican al marketing, porque logra conectar los valores de una marca con su público meta, además las historias -bien pensadas- dan sentido a la vida de las personas, un plus que ofrece este proceso creativo.

La fotografía: Arte, creatividad y belleza

El arte, la belleza y la creatividad convergen en la fotografía

En reiteradas oportunidades leerán afirmaciones como: fotografía es “dibujar con luz” una definición totalmente acertada, cuando usamos  el término hacemos referencia a su procedencia griega φως (phōs, «luz»), y γραφή (grafḗ, «conjunto de líneas, escritura»), que, en conjunto, significa "escribir/grabar con la luz".

Gracias a la luz podemos apreciar la belleza que nos rodea, pero ¿Qué es bello? y ¿Qué no lo es? Considerando diferentes definiciones se podría resumir que la belleza es una noción abstracta ligada a numerosos aspectos de la existencia humana. Estos elementos son estudiados principalmente por las disciplinas filosóficas de la estética, pero también es abordado por la historia, la sociología e incluso la psicología social.

Por otra parte encontramos el arte, que hace referencia a cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. Sin embargo cuando el arte rompe los parámetros de los elementos propuestos por las disicplinas sociales se le considera trasgresor, algunas veces poco bello y anti estético.

Arte es sinónimo de comunicación

No es de extrañar que todas estas teorías sean concebidas por quienes son capaces de generar nuevos preceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales.  Es cuándo se da paso a La creatividad una acción típicamente humana que está relacionada o es sinónimo del "pensamiento original", la "imaginación constructiva", el "pensamiento divergente" o el "pensamiento creativo".

Pero ¿Qué tienen que ver estos conceptos con la práctica de la fotografía? Mucho. El dibujar con luz es el resultado de una expresión que busca reflejar un ideal utilizando técnicas de composición y otros elementos para generar agrado o desagrado en quien la  observa, cuando se quiere ser certero en la difusión de un mensaje dentro de una fotografía se puede recurrir a las percepciones sociales en cuanto a belleza o romper las reglas aplicando nuestra condición creativa; en cualquier caso, e indiscutiblemente, el fotógrafo estará generando arte. 

Evita el robo de imágenes

Pocas personas respetan el esfuerzo que implica capturar una buena imagen y por eso muchas veces hacen click con el botón derecho del mouse copiando y pegando, olvidando los derechos de autor. Esa acción se ha convertido en el argumento más usado por los fotógrafos experimentados quienes ven con malos ojos la publicación constante de portafolios por las redes sociales.

Con la llegada de Facebook, Twitter, Flickr y algunas aplicaciones como Instagram, se ha potenciado el robo de imágenes, la violación a los derechos de autor e incluso ha disminuido el respeto a la creación de imágenes. Algunos “Dibujantes con Luz” creen que el compartir imágenes por esos medios incrementa radicalmente el uso inadecuado de las mismas, otros temores que consideran es que algunas redes sociales como Facebook les dé un uso comercial a las gráficas sin su permiso. Por eso recomiendan considerar el gran riesgo que representa sumarse al mundo 2.0.

Ni tan calvo ni con dos pelucas

Como Richard Kelly, presidente de ASMP —American Society of Media Photographers— anunció, “La acción más segura que se puede considerar es colocar sus fotos en una caja blanca en su oficina y nunca mostrarlas a nadie. Pero esa no es la razón de ser de un fotógrafo. Debe existir un balance entre la protección y las ganas de compartir tus imágenes al mundo”. Nuevamente el debate se enciende, ¿Compartir o no compartir? Ese es el dilema.

Algunas Recomendaciones:

• Siempre lee los términos del servicio antes de subir tus imágenes y compartir otros contenidos.
• Considera el uso de marca de agua en tus imágenes, es una elección antiestética pero reduce el uso inadecuado de tus imágenes
• Configura los tamaños a la web.

Crear composiciones interesantes

Cuando nuestros ojos exploran una imagen necesitan enfocarse en un elemento de la misma, algo que destaque del resto; en caso de no conseguirlo la reacción de quien observa será pasar a otra imagen.

La fotografía –la buena fotografía- deja de ser un proceso mecánico y electrónico para convertirse en una obra de interés artístico la cual posee una gran carga de personalidad y carácter, pero para ello es importante considerar dos propósitos fundamentales: identificar un motivo y preguntarnos cómo realzarlo convenientemente.

Resaltar el motivo

Son varios los caminos que el fotógrafo puede tomar para lograr el cumplimiento de este objetivo, controlando el tamaño, el enfoque del sujeto con respecto al resto de la composición, el manejo de la iluminación e incluso la elección de un punto de vista y fondo adecuados. Estos elementos (solos o mezclados) se han potenciado con la inclusión del mundo digital en la creación de imágenes.

Focal y punto de vista

Cuando nos acercamos a un objeto con nuestra cámara, aumentamos la fuerza del mismo en nuestra imagen. Lo más recomendable al momento de realizar el encuadre es eliminar lo que sobra en el momento de la toma, conviene experimentar con puntos de vista menos convencionales desde ángulos altos o bajos, observando el fondo y los elementos que rodean al motivo principal.

Hay múltiples escenas que merecen nuestra detallada observación, la influencia del color es siempre mayor que la del blanco y negro. Encontrar un motivo que destaque por su cromatismo, ofrece una gran riqueza a la composición, sin embargo para llamar la atención con la utilización del color no es necesario mezclar muchos colores.

El encanto de la fotografía Surrealista

La fotografía enamora. Una imagen capta nuestra atención y evoca en nuestra mente los recuerdos más insólitos que muchas veces pensamos que habíamos olvidado; el encanto que el componer imágenes produce, adormece nuestras preocupaciones al momento de hacer click con el disparador, es un instante de gran intimidad entre el fotógrafo y el encuadre.

Son muchas las corrientes artísticas las que se han dejado seducir con la fotografía, el surrealismo es una de ella, pero ¿Tiene la fotografía alguna importancia dentro del movimiento surrealista? Es tiempo de investigar un poco y dejar de ser un simple adorador del extraño –pero fascinante- universo que el surrealismo permite.

Para nadie es un secreto que la fotografía tiene un lugar esencial en nuestra visión actual del movimiento surrealista, basta con colocar “Surrealism” en el buscador de Pinterest y toparse con hermosas creaciones contemporáneas inspiradas por esa tendencia. No cabe dudas, el mundo de las imágenes en la era 2.0 ha sido uno de los soportes más privilegiados de la creación surrealista.

Pero la historia relata que no siempre fue así, tomando como base en el movimiento surrealista, la fotografía comienza a jugar un papel diferente al que jugaba en el siglo XIX conjuntamente con la pintura, de hecho Los 12 números del impreso “LA RÉVOLUTION SURRÉALISTE” –publicados el 1 de diciembre de 1924, bajo la dirección de Pierre Naville y Benjamín Peret y la supervisión de André Breton– constatan que las 444 páginas que totalizan la revista comprenden 208 ilustraciones de las cuales, 48 son fotografías que representan el 23% de estas ilustraciones.

De igual manera se evidenciaba con las portadas de algunos libros con tendencia surrealista, las primeras graficas con tendencia surrealista eran catalogadas de “muertas y desilusionantes” sin embargo esa realidad cambió con el tiempo dando paso al recurso fotográfico “anónimo” en el cual, la fuente es, en general, misteriosa. Es un signo de la actitud de los surrealistas de cara a la fotografía, ya que queda huella de una profunda ambigüedad.

El anonimato en la fotografía de aquella época representó una de las tantas acciones radicales de André Breton. Algunos autores indican que: “La fotografía “anónima” aparece así, como un objeto perturbado, experimenta cierta energía poética que uno puede encontrar en alguna parte en estado latente, en la fotografía se ve, de manera experimental, el “funcionamiento” real del pensamiento, la fotografía tiene la facultad, –fuera de toda preocupación estética o moral– de hacer brotar la poesía”.

El Surrealismo, tal como lo define Breton:  “es como un “automatismo psíquico” por el cual, uno se propone experimentar […] el funcionamiento real del pensamiento […] en la ausencia de todo control ejercido por la razón y fuera de toda preocupación estética o moral” de tal forma que, el surrealismo lo concebía como una “fábrica mental” que desarrollaba sus productos a partir de planteamientos sociales, artísticos o literarios. Un planteamiento muy cercano a la realidad pues, el arte no es más que una tontería –palabras más, palabras menos de Breton- el arte busca la producción de objetos bellos incluyendo a la pintura moderna o la fotografía, donde se ha de considerar diferentes elementos y técnicas, bajo la premura de causar el más alto placer de los ojos.

Así como algunos se auto-proclamaron surrealistas, existen otros –como Brassaï- quienes indican que sus fotografías están por “equivocación” situadas dentro del surrealismo. La asimilación de esto último, en efecto, es un malentendido, las fotografías de Brassaï son surrealistas porque ellas revelan un Paris fantasmal, irreal, ahogado en la noche y la niebla, el surrealismo de sus imágenes no son más que otra cosa que la realidad rendida a lo fantástico de la visión.

En este largo camino que estoy empezando a recorrer, he aprendido que la fotografía no es solamente un lugar de acercamientos insólitos o asociaciones inhabituales, sino también de manipulaciones que engendran un gran hallazgo que modifica la identidad de las cosas y poetiza lo real. Así, en el resultado de estos juegos de azar, se llega a desarrollar un proceso metódico y paciente que dan vida a imágenes fantásticas que muestran al universo nuestro sentir, e incluso nuestro pensar. Sin embargo, a pesar de que en sus inicios, la fotografía surrealista se dejaba llevar  por la suerte de sus realizadores –tal es el caso de Man Ray- nunca dejó de utilizar todos los recursos del oficio para alejarse de su trivial realidad.

La tortura, ni arte ni cultura!

Llena la plaza, el toro sale al ruedo y embiste a la capa del torero con rectitud y nobleza ignorando que su destino está escrito; debe morir en un espectáculo donde el público muestra sed de sangre.

Un pañuelo blanco se aprecia desde el palco donde el presidente anuncia el inicio de la Lidia, luego de tan noble gesto suenan clarines y timbales dando comienzo con el paseíllo, un corto desfile por la arena, donde el orden y posición de las cuadrillas está perfectamente reglamentado; se muestra a los alguacilillos seguido por los matadores en una hilera de tres: vistos de espaldas, el más antiguo se sitúa a la izquierda, el más moderno en el centro y al lado derecho el que por veteranía profesional se encuentre entre ambos.

Las corridas de toros todavía congregan a multitudes; constituyen una parte importante de la tradición española que se conoce como fiesta brava. Es mucho más que un mero espectáculo; los aficionados aplauden no sólo la bravura de los toreros, sino también su habilidad y arte. Sin Embargo En la España actual, las corridas de toros no tienen la misma suerte que en sus inicios. De hecho, el 28 de julio de 2010, el Parlamento catalán decidió prohibir los toros desde el 1 de enero de 2012. La ley fue recurrida ante el Tribunal Constitucional siendo admitido a trámite.

Una realidad no muy distanciada de la venezolana, donde varias organizaciones en pro de la defensa a la vida de los animales, buscan erradicar el reconocido grito de "¡ooole!" ante un pase natural o una manoletina y los aplausos cuando el espada mata al toro, con medio o tres cuartos de estoque; favorecidos a través de una nueva Ley de Protección de los Animales Domésticos, Dominados, Silvestres y Exóticos en Cautiverio ley de protección animal.

"Al cabo de 27 años de lucha, vamos a logra contener, reducir, reglamentar y, en un futuro eliminar, los espectáculos donde se explota, humilla, tortura y mata a los animales", dijo Cristina Camilloni, presidenta de la Asociación Pro Defensa de los Animales.

La ley establece que "todos los animales nacen iguales ante la vida y tienen el mismo derecho a la existencia", prohíbe los tratos crueles y establece que si su muerte es necesaria (para la alimentación, por ejemplo), deberá ser "instantánea, indolora y no generadora de angustia".

El parágrafo único del artículo cinco de la mencionada ley reza: “Se permiten las corridas de toros, y toros coleados, empero sólo el espectáculo visual, sin torturar, ni martirizar, ni matar al toro, y demás animales que integren la exhibición. Siempre y cuando estos espectáculos se ajusten rigurosamente a las disposiciones establecidas en esta ley, seguirán siendo parte del mosaico venezolano de fiestas tradicionales”.

Cabe destacar que el mundo entero se muestra conmocionado ante milenaria actividad, algunos activistas la catalogan de “cruel” e “injusta” y otros como el Nobel escritor Mario Vargas Llosa hace saber que “los toros representan una forma de alimento espiritual y emotivo tan intenso y enriquecedor como un concierto de Beethoven, una comedia de Shakespeare o un poema de Vallejo”.

Incluso el periodismo se ha visto influenciado por la Lidia a través de las Crónicas taurinas, una especie de artículo literario de extensión variable, publicado en prensa escrita o recogido en libro, que resume los sucesos acaecidos en el transcurso de la lucha en una corrida de toros y, por extensión, aunque más infrecuente, lo que acontece en otros momentos y circunstancias referente a la Fiesta.

Pero todas estas razones valen poco, o no valen nada, ante quienes, de entrada, proclaman su rechazo y condena de una fiesta donde corre la sangre y está presente la muerte. "No hay nada tan patético como una multitud de espectadores inmóviles presenciando con indiferencia o entusiasmo el enfrentamiento desigual entre un noble toro y una cuadrilla de matones desequilibrados destrozando a un animal inocente que no entiende la razón de su dolor” comenta Aarón

El Naturalismo la explicación a los comportamientos del ser.

El mundo ha dado sus vueltas y el hombre ha continuado su camino encontrándose a sí mismo en su andar. No es de extrañar que para lograr su introspección haya atravesado varias etapas que se hacen presente de manera cíclica en los acontecimientos que le rodean.

Es por todo lo anterior que me permito conocer una corriente artística que marcó un estilo en los ilustres literatos de la época en que se presentó. Se dice que el naturalismo está basado en reproducir la realidad con una objetividad documental en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.

Surgió en la ciudad de París; Emile Zola fue el iniciador del movimiento Naturalista, al decidir romper con el romanticismo, crea esta tendencia  siendo considerado el maestro de este pensamiento junto con Gustave Flaubert. En sus obras más importantes describirían de manera cruda y realista el contexto social del lugar de inicio del movimiento.

Este estilo presenta al ser humano en el medio en que vive pero sin caprichos. Las costumbres de las personas descritas bajo esta corriente se ven influenciadas por el Positivismo de Auguste Comte, que no valora lo que no puede ser objeto de experiencia, el Utilitarismo de Bentham y Stuart Mill, que juzga todo en función de su utilidad, y el Evolucionismo físico de Darwin y social de Herbert Spencer.

El arte naturalista, es un estudio serio y detallado de los problemas sociales, cuyas causas procuran encontrar y mostrar de forma documental las ideologías y a las injusticias económicas en que se hallan las raíces de las tragedias humanas. No es de extrañar entonces que en la mayoría de los escritos naturalistas, se evidencie la crítica como la forma más idónea para mostrar cómo está constituida la sociedad.

El naturalismo prescribe a la literatura como arma de combate político, filosófico y social, extiende su descripción a las clases más desfavorecidas, intenta explicar de forma materialista la raíz de los problemas sociales alcanzando hacer una crítica profunda. El naturalismo es pesimista y afirma que es imposible escapar de las condiciones sociales que guían nuestro sendero en la vida sin que podamos hacer nada por impedirlo.

El Naturalismo, evolución del Realismo.

El Naturalismo, al igual que el Realismo, contradice al Romanticismo rechazando la evasión y volviendo la mirada a la realidad más cercana, material y cotidiana, pero, lejos de conformarse con la descripción de la sociedad burguesa y su mentalidad individualista y materialista, extiende su mirada a las clases más desfavorecidas de la sociedad y pretende explicar los males de la sociedad.

El Realismo y Naturalismo abarcan desde 1850 hasta 1900, que básicamente viene siendo la búsqueda de la realidad en el arte y la relación con el ser humano y su entorno, así como la perfección, el estado “natural” de los seres. Algunas de sus características son:

·        "Observación rigurosa y la reproducción fiel de la vida."

·        "Se documenta sobre el terreno, toma apuntes sobre el ambiente, las gentes, su modo de vestir, etc. Es deseo de exactitud."

·        "En lo narrativo, el escritor adopta una actitud de cronista más o menos objetivo."

·        "El estilo tiende a la sobriedad. En los diálogos, la lengua se adaptará a la índole de los personajes, por ejemplo, el reflejo del habla popular."

·        "El materialismo. Niega la parte espiritual del hombre: los sentimientos, ideales, etc., son considerados productos del organismo."

·        "El determinismo. Los comportamientos humanos están marcados por la herencia biológica y por las circunstancias sociales."

·        "El método experimental. Igual que un científico, el novelista debe experimentar con sus personajes, colocándolos en determinadas situaciones para demostrar que su comportamiento depende de la herencia y del medio."